Talleres de arte de Consuelo Ginnari

LEONARDO DA VINCI: DE LA BLANCURA Y “NEGRIDAD DEL VACÍO”

@mmarianarey

La grandeza del Renacimiento se debe a las artes plásticas: a las arti del disegno, como empezó a llamárseles desde entonces. Pertenece a dos generaciones, la primera: Bramante y Leonardo Da Vinci; la segunda: Miguel Ángel, Giorgione y Rafael.

La pintura renacentista, antes de llegar a su forma clásica, pasó por diversas etapas, empezando por la percepción y representación directa de las cosas hasta llegar a la "plasmación" racional perfeccionada por la reflexión y el conocimiento de las mismas y el espacio. Su desarrollo estaba encaminado a una mayor "monumentalidad", apoyado en las desmesuradas ambiciones de los Papas renacentistas. Además, lo más importante de los escritos de arte fue la distinción de los principales factores artísticos como: dibujo, medida proporcional, composición, color y distribución. En estas características no se menciona idea ni invención sino,más bien, sólo se refieren a conocimientos y cálculo.

Los escritos de Dante, a quien ya en vida llamaban poeta, filósofo o teólogo, tienen una relevancia fundamental en Italia, pues fungen como fuente de inspiración entre los artistas del Renacimiento, quienes destacaron como hombres polifacéticos. Pero por encima de todos sobresale León Battista Alberti, quien planteó dos problemas: la perspectiva y la proporción. A su juicio, estos debían ser tratados científicamente; sin embargo, muchos artistas se ocuparon de este problema, entre ellos: Piero della Francesca, Leonardo, Donatello, Brunelleschi y Bramante.

La perspectiva es un fenómeno óptico que consiste en que la imagen de las cosas percibidas disminuyan con la distancia y así se deformen según la localización de éstas en relación con el ojo. En sentido estricto, la perspectiva es un fenómeno puramente geométrico que depende, exclusivamente, de la distancia y de la situación del objeto contemplado. El Renacimiento no admitía otra pintura que no fuera en perspectiva y de preferencia frontal, por lo que los pintores se facilitaban el trabajo utilizando espejos. Así mismo, buscaron leyes que regían a la pintura, realizando investigaciones.

Leonardo afirmó que todo pintor de un muro que ha de acoger una composición narrativa, debe tener siempre en cuenta la altura del lugar y la forma en que se situarán las cosas, y de un modo realista debe situar el ojo por debajo de la cosa que se esté pintando.

Platón ya había tratado la perspectiva como un fenómeno negativo, como prueba de imperfección de la vista que deforma las cosas; en cambio, para los hombres del Renacimiento fue motivo de admiración debido a su matemática, regularidad y precisión, convencidos de que la perspectiva elevaba el estatus del arte al nivel de la ciencia, proporcionándole exactitud y seguridad. Volterrani escribió que la perspectiva es necesaria en el arte para introducir armonía en los fenómenos.

La proporción generó disputas en el Renacimiento, pues había conformidad respecto a que para el hombre existe una forma perfecta, y ésta es una proporción numérica y mesurable, pues ciertas proporciones eran consideradas como “naturales” y “verdaderas”, cosa que creían los artistas y los humanistas afirmando que “sólo las proporciones causan belleza”.

Color

Hacia finales del siglo XV ya se habían formulado conceptos básicos; uno de ellos era el empleo de la luz y la sombra para dotar de tridimensionalidad a las formas. Es la sombra la que domina el color y subordina todos los tonos a su oscuridad. El verdadero tono al que se refería Leonardo era el color más saturado, esa zona en la que es visto cabalmente como unidad de sombra que se vela progresivamente en los lindes de las diferentes zonas de color, mientras el más brillante y saturado es reservado sólo para las partes más iluminadas.

Aunque tiene en común las tonalidades del flamenco, su sistema de color se va modificando a medida que gana profundidad. La atmósfera surte efecto de privar a los objetos de su luminosidad individual; a esto le llamó: perspectiva del color.

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El cuadro "La Virgen de las Rocas" es prueba de esta teoría; la atmósfera azul está compuesta de la propia blancura y de la “negritud del vacío”, por encima surten efecto lo pináculos rocosos de manera graduada. El ambiente está sometido a una degradación cromática desde el intenso azul hasta la claridad del horizonte.

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Da Vinci, al igual que sus pinturas, estuvo rodeado de diferentes sombras que parecen hacer un juego con el enigma que existe alrededor de su nombre y obra. Descubre algunos de sus secretos y los demonios que ensombrecieron su trayectoria renacentista a través de Da Vinci’s Demons, serie que se transmitirá, a partir del martes 16 de abril, a las 22:00 horas, por Fox.

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Bibliografía:

Burckhardt , Jacob, La cultura del Renacimiento en Italia, Trad. Juan Barja, Teresa Blanco, Fernando Bouza Alvarez, ed. Akal, 2ª edición, 2004, Madrid.

Historia de la estética III: La estética moderna, 1400-1700, escrito por Wladyslaw Tatarkiewicz.